Spinnt man diesen Gedanken weiter, so entdeckt man, dass die bildende Kunst voll von Umspannwerken ist: Jeder einzelne Künstler ist ja ein Umspannwerk, weil er seine eigenen Spannungen, Energien, Ideen und Aussagen aus seinem Inneren in das Äußere, in das künstlerische Medium transformiert. Was dabei entsteht, sind wiederum – im wahrsten Sinne des Wortes – Umspannwerke, die ihre Energie an die sie umgebende Umwelt abgeben und die Kunstbetrachter ihrerseits zu Umspannwerken machen, die das Gesehene für sich interpretieren und transformieren. Und nicht zu vergessen das Umspannwerk Galerie, in dem diese vielen verschiedenen Spannungsebenen zusammengeführt werden und ein gemeinsames Neues ergeben.

In der uns umgebenden Ausstellung umspannt die Galerie Gans die vier durchaus unterschiedlichen künstlerischen Ausdrucksweisen von Thomas Reinhold, Christine de Pauli, Ulrich Plieschnig und Josefina Pino.Ich werde zuerst auf die drei ungegenständlich arbeitenden Künstler eingehen, bevor ich zu Josefina Pino komme, die mit ihren Arbeiten einen spannungsvollen gegenständlichen Kontrapunkt bildet.

Den Wiener Thomas Reinhold und den Kärnter Ulrich Plieschnig verbindet eine ähnliche Arbeitsweise, die bei beiden jedoch zu ganz unterschiedlichen, eigenständigen  Ergebnissen führt: Beide arbeiten ohne Pinsel, sondern schütten die verdünnte Ölfarbe auf die flach am Boden liegende Leinwand. Die weitere Verteilung der Farbe erfolgt dann durch das vorsichtige und kontrollierte Kippen des Bildträgers in verschiedene Richtungen. Die flüssige Farbe bahnt sich ihren Weg, jedoch weitgehend gelenkt vom Willen und der Hand des Künstlers. Bildaufbau und Farbverteilung sind bewusst vorab geplant und festgelegt, dem Zufall und den Rinneigenschaften der flüssigen Farbe bleibt jedoch ein gewisses Mitgestaltungsrecht vorbehalten, was von den Künstlern durchaus gewünscht ist. Das Arbeiten an den Bildern fördert und fordert gleichermaßen Ruhe, Konzentration, Planung und eine enge Beziehung zum Material Farbe. Obwohl die Technik der beiden Künstler so ähnlich ist, zeitigt sie ganz unterschiedliche, eigenständige Ergebnisse.

Ulrich Plieschnigs ausgestellte Werke sind dominiert von ruhigen, geschlossenen Formen: vertikalen Stelen, die sich monolithisch von einem horizontal verlaufenden Hintergrund abheben. Sowohl die Farbfläche des Hintergrunds als auch die Stelen des Vordergrunds sind durch Aufschütten der Farbe entstanden, jedoch in einer derart geschlossenen, kontrollierten Form, dass keine „verräterischen“ Rinnspuren diesen Vorgang erahnen lassen. Viel mehr wirken die Monolithen, als wären sie einfach immer schon da gewesen, aus sich heraus entstanden, als bedürften sie nicht so etwas „Banalem“ wie der menschlichen Hand oder gar eines Pinsels. Sie sind Ausdruck von Farbe und Form an sich. Ruhig und sicher stehen sie da, als könnte ihnen nichts und niemand etwas anhaben. Auch wenn in Plieschnigs Arbeiten keine Perspektive oder andere illusionistische Techniken auf einen Raum schließen lassen, auch wenn man sie theoretisch als reine Fläche ohne Tiefe interpretieren könnte, strahlen Plieschnigs Werke eine große Weite und Tiefe aus. Vor vielen Jahren fällte Plieschnig nach einem New York-Aufenthalt den Entschluss zur Reduktion. Davon erzählen die Klarheit seiner Formen und Farben sowie die Beschränkung auf orthogonal voreinander gesetzte Farbflächen.